El street art causa fascinación, polémica, admiración y rechazo en las personas que transitan por la ciudad. Estas imágenes polisémicas, paradójicas, confusas, divertidas o simplemente absurdas se encuentran en el umbral entre la estética y la propaganda, en una tensión entre el deseo de ornamentación privada y la declaración pública de principios. El libro Street art bogotano ofrece una mirada fresca y novedosa sobre este fenómeno urbano. Por medio de un ingenioso cruce de referencias y la adaptación de conceptos y herramientas teóricas de distintas disciplinas, hace una lectura de tres obras realizadas en las calles bogotanas entre los años 2013 y 2016. 

 A veces mal entendido como una copia, el grabado, por sus propiedades materiales, es en realidad un “original múltiple”. Este libro, escrito a la manera de un ensayo extenso, busca introducir algunos conceptos fundamentales para la comprensión del grabado como medio y como obra de arte, y también discutir las innovaciones artísticas que resultan de su aparición en la modernidad temprana. El hilo conductor de Originales múltiples. El grabado en los albores de la imprenta es una reflexión continua en torno a la originalidad, la variación y la invención, conceptos que siguen influyendo en nuestra percepción contemporánea de la historia del arte y de la cultura visual. 

Historias del arte en Colombia presenta nuevos relatos sobre el arte producido, consumido, usado e inspirado en este país, a partir de veintiún estudios de caso. Por medio de cuatro ejes temáticos – identidades, materialidades, migraciones y geografías -, propone lecturas distintas de los procesos artísticos en territorio colombiano, al explorar las obras más allá de los movimientos, las cronologías y los nombres más conocidos. Sus protagonistas son platos, pendientes, dibujos, fotografías, pinturas de caballete y mural, esculturas e instalaciones, entre otras obras en su mayoría ignoradas por la historiografía nacional.

Entrevista de Elkin Rubiano, profesor de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, a Juanita Solano y Olga Acosta, coeditoras del libro, en el canal de YouTube Crítica sin cortes

¿Cuál ha sido el lugar de los museos nacionales en la construcción de la historia del arte? ¿Cuál ha sido el papel de la historia del arte como disciplina en el contexto de los museos de carácter nacional, tales como el Museo Nacional de Colombia? Estas preguntas son determinantes para reflexionar en torno a la relación entre arte y nación, así como para pensar y objetar la idea de un “arte nacional” y, más allá de eso, introducir conceptos adicionales como lo “transnacional”, entre otros, para enriquecer el debate. Esta publicación recoge las ponencias presentadas en la XXI Cátedra Ernesto Restrepo Tirado: el arte, el museo y sus historias, que organizaron la Universidad de los Andes y el Museo Nacional de Colombia en octubre del 2017. Los tres ejes que guiaron el evento y sus discusiones fueron los siguientes: la concepción de lo nacional y de la nación en relación con la historia del arte; escrituras y reescrituras del arte en el museo; y lugares para la historia del arte: museos, academia y procesos de formación.

Más allá de lo real maravilloso reflexiona sobre la manera en que ciertos encuentros entre intelectuales latinoamericanos y europeos durante el siglo XX dieron forma a la representación de América Latina en las artes. En la primera parte, revisa algunas exposiciones de arte latinoamericano que tuvieron lugar en la década de los ochenta, como parte de los prolegómenos de las celebraciones del quinto centenario de la llegada de los españoles a América, y llama la atención sobre los estereotipos que estas perpetuaron. Plantea que el origen de dichos estereotipos se encuentra en la teoría de Alejo Carpentier de lo real maravilloso americano, un ambicioso proyecto encaminado a combatir el colonialismo cultural que, sin embargo, dejó a América Latina aislada del resto del mundo. En la segunda parte, explora las intrincadas relaciones entre el surrealismo y América Latina, y pone énfasis en los asuntos que surgieron de la lucha de intelectuales y artistas empeñados en encontrar el “lenguaje apropiado” para representar culturalmente la región. La tercera parte se concentra en la figura del pintor cubano Wifredo Lam, cuyo trabajo mezcla elementos afrocubanos con la estética surrealista y cubista, lo que cambió el ideal de arte producido en América Latina. Lam realzó los encuentros que dieron forma a la cultura latinoamericana y combatió la idea de un pasado prístino anterior a que los europeos llegaran a América. Este cambio radical de perspectiva —apoyado en la teoría de la transculturación de Fernando Ortiz— anticipó las teorías contemporáneas de creolización, que hablan del proceso de formación cultural de América Latina a partir del intercambio.

Las colecciones de arte en la Universidad de los Andes han funcionado como una puesta en práctica de las habilidades y herramientas de los historiadores del arte de Los Andes. También han sido un espacio para desdibujar las fronteras entre lo que sucede en el salón de clases —en la teoría— y la experiencia —en la práctica—. Sin duda, han sido ocasiones fructíferas y definitivas para entablar otro tipo de diálogo entre estudiantes y profesores, y con las obras mismas. Los cuatro capítulos que constituyen este libro fueron escritos por profesores y estudiantes y abarcan desde las colecciones de arte prehispánico hasta una breve historia del arte colombiano del siglo XX a partir de las obras que alberga la Universidad. Esperamos que este sea una invitación tanto para nuestra comunidad universitaria como para el público general a acercarse y conocer las obras. Si bien la Universidad no tiene un espacio físico que unifique y albergue las colecciones, publicar este libro da a conocer la existencia de estas obras y permite pensar el campus como un museo abierto.

Durante los procesos de colonización en diversos territorios de América, la destrucción y el culto de imágenes sagradas fueron dos políticas estipuladas por las instituciones de poder para someter comunidades y, en algunos casos, las personas colonizadas las adoptaron como mecanismo de resistencia. Sin dejar de lado las diferencias entre una y otra política, el acto violento en contra de una imagen y la adoración de esta comparten una creencia por el poder de la imagen: son dos caras de una misma moneda. Destrucción y culto busca indagar esas políticas y mirar cómo están íntimamente ligadas a procesos de sometimiento propios de una política imperial y colonial. A partir de diversos casos de estudio trasatlánticos, dibuja un panorama rico en matices que ponen en evidencia la complejidad de la cultura visual de los siglos XVI y XVII en los territorios de la Corona española.

Neoclásicos. Edgar Negret y Eduardo Ramírez Villamizar entre París, Nueva York y Bogotá, 1944-1964 es el primer título de la nueva colección del Departamento de Historia del Arte: Historia y Teoría del Arte. A lo largo de sus páginas, Ana María Franco estudia el desarrollo y la consolidación de la abstracción geométrica en Colombia en la obra de Edgar Negret (1920-2012) y Eduardo Ramírez Villamizar (1922-2004) desde una perspectiva transnacional. Al hacerlo, traza las conexiones entre los mundos artísticos de París, Nueva York y Bogotá durante los años cincuenta y sesenta del siglo XX. En particular, busca reinsertar a Negret y a Ramírez Villamizar —en tanto pioneros de la abstracción geométrica en Colombia— dentro de los contextos transnacionales en los que operaron en las tres ciudades. Neoclásicos constituye un aporte original a la historia del arte moderno en Colombia al mostrar la relevancia del arte y los artistas colombianos en los desarrollos del arte de la segunda posguerra más allá de las fronteras nacionales, lo que hace evidente sus conexiones con el arte internacional de la época.

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Consulte la reseña de esta publicación a cargo de Megan A. Sullivan en la Revista Latin American and Latinx Visual Culture.