La obra del filósofo y crítico literario Walter Benjamin es hoy, casi ochenta años después de su muerte, una referencia obligada en la crítica cultural y su pertinencia y relevancia para el contexto actual son innegables. Por otra parte, el problema de cómo leer un texto del pasado en el presente de manera que este se actualice aparece también explícitamente en los escritos de este autor como un tema central. Reconocemos la obra de Benjamin como un conjunto de textos que nos interpela, que se dirige a nosotros y que espera una respuesta, invitándonos a una lectura situada en el presente, que se convierta en una ocasión para el diálogo. Esta compilación responde a un deseo de leer a Benjamin “aquí y ahora” y tiene en cuenta cómo su obra necesariamente nos llama como lectores hoy y nos plantea la exigencia de pensar cómo entender sus textos en el contexto de nuestro momento. Los nueve ensayos que reúne este libro muestran distintas maneras de leer a Benjamin en y desde la Colombia contemporánea. Además, reúnen el trabajo de algunos de los principales académicos que se ocupan de su obra en nuestro país. Desde perspectivas diversas, todos ellos abordan los posibles significados que los escritos de Walter Benjamin continúan teniendo para la discusión cultural actual.

Voces en off sitúa la traducción y sus políticas en el centro de los debates literarios e intelectuales de América Latina en el contexto poscolonial y subraya el papel integral que la traducción ha desempeñado en la evolución de las letras latinoamericanas. Por medio de ensayos, anécdotas personales, memorias y análisis críticos de figuras clave en las letras latinoamericanas de hoy —escritores, traductores y académicos—, este libro ofrece retratos espontáneos de la relación entre individuos, textos y lenguas dentro del desafío dual de creación y recreación que representa la traducción. Así, Voces en off es una invitación a reflexionar sobre los múltiples circuitos que se comunican en la producción cultural y propone que la traducción es fundamental en la distribución y la circulación de la literatura impresa, así como en la constitución de la cultura contemporánea en las Américas y en la literatura global.

Antología de teatro bufo cubano es la reedición del volumen equivalente que fuera parte, en el 2009, de la Colección Soglie Americane, e incluye las obras Petra o Una mulata de rumbo (s. f.)de Francisco Valdés Ramírez, La mulata de rango (1885) de José María de Quintana, Por la Mostaza o La mulata Rosa (1890) de José G. Nuza y Francisco V. Ramírez, Margarito o El traviato (1892) de José Barberá y La gran rumba (1890) de José R. Barreiro. Todas son obras de finales del siglo XIX y constituyen una apreciable muestra del teatro bufo cubano. En todas ellas, además, pueden apreciarse las transformaciones que sufrió en la segunda mitad del siglo XIX la representación teatral y cómo el teatro bufo era un espacio privilegiado para la representación del sujeto social.

Los poemas que componen Epifanía del Hombre Natural presentan una coherencia relevante en el sentido de que conservan unidad temática, estilística y de tono. Por una parte, se observa una regularidad en el sistema versal de ritmo amplio, sostenido y con un léxico poético. Igualmente, se revela una voz poética suficientemente madura, sólida y de gran equilibrio entre los elementos verbales, las imágenes líricas logradas y la visión del mundo que expresa. El lenguaje que emplea el autor se rige por un sistema metafórico rico en imágenes sensoriales acerca del tiempo, la noche, los modos de metamorfosis del pasado al presente, el yo y el otro, el ser ante la multitud y en su soledad creadora.

Entre el archivo y el público más vasto, que no visita una sala de documentos reservados; entre el texto y la lectura, que necesita de objetos tangibles para ser llevada a cabo; entre un término y otro, media con frecuencia un tercero, que produce un trabajo crítico. Hoy es necesario “acercar lo que la tradición occidental alejó tenazmente: por un lado, la comprensión y el comentario de las obras; por otro lado, el análisis de las condiciones técnicas o sociales de su publicación, circulación y apropiación” (Chartier, “¿Qué es un texto?”). El volumen presente pretende disipar una serie de separaciones perniciosas y de larga data entre edición e interpretación, producción y recepción, tradición editorial e historia textual, entre otras. Este libro resulta de una serie de foros abiertos en los que se discutió la conservación, conformación, circulación y apropiación de los acervos bibliográficos en general, y muy particularmente de algunos archivos literarios de los siglos XIX y XX. En ellos se encontraron estudiantes, profesionales e investigadores interesados en la edición, el patrimonio, la crítica textual y las humanidades digitales. Ante las ilusiones que genera la aparente originalidad de los documentos guardados en un lugar específico, se reivindicó la relación de esos documentos con otros —la necesidad de entrar y salir de cualquier mundo cerrado— y la dimensión social de toda construcción colectiva.

Textos mínimos es una colección de 54 poemas breves en los que la voz poética reflexiona sobre el lenguaje y su conexión con el momento vital de la madurez y la cercanía de la muerte. Los poemas evocan el género de haiku pero no son exactamente haikus, son “falsos haikus”, según el poeta, pues no cumplen las normas de versificación, de por sí complejas en el momento de la adaptación a lenguas diferentes del japonés. Sin embargo, los poemas hacen algo muy similar a lo que hace un haiku: captura, o intenta capturar, la esencia del instante, su riqueza evocadora y a veces nostálgica pero siempre reveladora, en conexión con un asunto vital para la experiencia del poeta.

Tu libro cuenta cómo crecen en secreto los niños. Es como el milagro de las flores del baobab, que habitan el mundo en un capullo durante breves momentos y ven a través de la luz el milagro de las pequeñas cosas: una lagartija, las improbables zapatillas rojas de un niño en el desfile del Primero de Mayo y las voces de las estrellas. Imprimen lo sublime en las ciudades imposibles, hablan antes que el futuro, caminan sin prisa sobre el agua.

Carta de Ana Paula Tavares, Los de mi calle.

El cielo no sabe bailar solo reúne dos novelas —Buenos días, camaradas y La AbuelaDiecinueve y el secreto del soviético— y un libro de cuentos —Los de mi calle—, publicados en portugués por separado, los cuales, sin embargo, se orquestan sobre una misma temática: las vivencias de un niño, ambientadas en los años ochenta en la ciudad de Luanda, Angola. Ondjaki, por medio de su narrador infantil, nos lleva de la mano a través de un panorama íntimo y autobiográfico, marcadamente consciente y con la justa medida de lirismo.

«Lo que yo quise hacer, sobre todo, sin querer hacerlo de una manera determinada, sino que se fue haciendo necesario poco a poco, fue una especie de tentativa de comprender cómo funciona el imaginario portugués. ¿Qué es lo que somos? Somos lo que soñamos, los mitos que construimos. ¿Cuál es la mitología portuguesa? ¿Con arreglo a qué horizonte ha funcionado la cultura portuguesa? ¿Qué tiene de particular? Eso sólo se comprende examinando sus vestigios, que son la poesía y la ficción», dice Eduardo Lourenço. Y también afirma: «El asunto propio de nuestro libro no es tanto la “preocupación por Portugal”, preocupación que está incluida por definición en todas las tentativas de autognosis, [sino] por una imagología, es decir, por el discurso crítico sobre las imágenes que [los portugueses] hemos forjado sobre nosotros mismos». Tal como Octavio Paz en El laberinto de la soledad, sobre el caso mexicano, Lourenço estudia en El laberinto de la saudade una determinada imagología. El laberinto luso es una obra crucial para captar, soñar y volver a imaginar el destino de Portugal.

La costa de los murmullos ocupa un lugar aparte en la historia de la literatura de lengua portuguesa, en la medida en que aborda el tema de las guerras coloniales desde una perspectiva femenina. Eva Lopo, la narradora de una gran parte del texto, vuelve veinte años después a su experiencia africana, cuando acompañó a su marido, un soldado portugués que combatía la rebelión africana en el norte de Mozambique. En la novela, la violencia del conflicto político y militar repercute en el ámbito doméstico, a través de la mirada aguda de una mujer que, a su manera, también es protagonista de una subversión. El libro de Lídia Jorge puede ser leído como un ajuste de cuentas, no sólo con la historia colonial, sino también con los tabús del sistema social portugués del dictador Salazar. En palabras de la autora, este “no es un libro sobre la guerra, sino tal vez sobre la violencia, sobre el estertor de una época”.

Nadie nos mira desarrolla la vida de dos generaciones en un pequeño poblado rural, acuciado por la soledad, los celos y la muerte. Los personajes son pastores, carpinteros, taberneros, sus mujeres e hijos, es decir, son personas comunes, últimos eslabones en el orden social humano. Para todos, hombres y mujeres, la vida parece un juego cuyo discurrir no puede ser cuestionado, apenas padecido, como no se cuestiona al destino. Un callejón sin salida cuyo ritmo es marcado por la aparición de un gigante o por las palabras del diablo. No hay rastro de religiosidad, de trascendencia: nadie pide por una vida diferente, más allá de lo evidente está solamente lo monstruoso. Los pobladores no tienen a quién pedirle, nunca se les oye rezar. No es que no tengan fe, es que no existe algo como la fe. Hay un sol inmenso y todo el calor y la luz del verano alentejano. Ese calor insoportable, yermo, de luz blanquecina, típicamente portugués, ilumina tanto el escenario que nos enceguece. Nos impide mirar, les impide mirar. Quizá es el mismo el que le impide al dios omnipresente mirarlos. Esta luminosidad es luz expuesta, proyectada, que guarda, que está preñada, de toda la oscuridad y frío del porvenir. El calor del final del verano es el cansancio del sol; todo lo que viene es su falta.

Nadie nos mira nos narra con sus diferentes voces los sentires y pesares de estos pobladores con una prosa que bien merece el adjetivo de poética: por el uso de los adjetivos, por el interés en los instantes más que en el transcurrir de los hechos y por la musicalidad y el ritmo. Ritmo que, en este caso, es una marcha fúnebre. Marcha de orquesta de pueblo, que se encamina a la muerte de todo, incluso de la muerte, bajo el sol inclemente de un mediodía de verano.